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11 05 2021

Encontrando nuevos pasatiempos a través del «Slice of Life»

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Encontrando nuevos pasatiempos a través del «Slice of Life»

Escrito por: Salvador Jiménez Figueroa

En el mundo del manga y anime es ya una tradición explorar pasatiempos muy particulares, como las danzas tradicionales japonesas o el buceo, para generar interés en historias con personajes de vidas cotidianas en los demás aspectos de su vida. Aunque suene como una forma sencilla de darles más vida historias que de otra forma serían aburridas, en realidad los esfuerzos de los ilustradores, escritores, actores de voz, músicos y animadores se sienten a través de cada una de las mejores obras de este subgénero del slice of life. Cada uno puede ser muy diferente en cuanto a humor, atmósfera y dinámica de personajes, algo evidente al comparar K-on! con Stella no Mahou, por ejemplo.

Sin embargo, la forma en que los escritores transmiten su pasión por los pasatiempos que suelen desarrollar estos personajes desde cero es cautivador y emocionante a su propia manera. A veces a través de personajes mayores con experiencia creando videojuegos y a veces con ayuda de un narrador omnipresente, la cantidad de información y detalle en cada episodio puede hacer que estas series parezcan creadas con el único propósito de convencer a todos sus espectadores de adoptar esos pasatiempos. Yuru Camp y Yama no Susume hacen un excelente trabajo transmitiendo la emoción de salir a acampar y acercarse a la naturaleza. Incluso si este tipo de pasatiempos no son para todos, Eizouken y Sangatsu no Lion pueden enseñarte muchas cosas sobre la creación de un anime o hacerte sentir la tensión entre dos jugadores de shogi, un juego de mesa muy similar al ajedrez.

En lo personal, todos los animes mencionados en este artículo me han parecido una experiencia muy diferente y, además, demuestran que una buena obra se logra a través de la pasión que transmiten sus autores por el tema que les interesa. Su deseo de mostrar el amor que le tienen a cierto pasatiempo es lo que eleva este aspecto de sus obras y las hace divertidas de forma consistente.

También existen bastantes Slice of Life basados en elementos ficticios, como Flying Witch y Demi-chan wa Kataritai. Si bien estas obras no pueden inspirarnos a seguir los pasos de sus personajes, definitivamente pueden despertar nuestro interés por personajes históricos o monstruos y deidades que cuentan con un mundo de literatura universal detrás de sus mitos modernos.

Sea cual sea la obra que consumas, es seguro que después de darle una oportunidad a este ‘subgénero’ te sorprenderá la diversidad y profundidad de temas que te encontrarás.

24 02 2021

El extraño mundo cotidiano de «Yokohama Kaidashi Kikou»

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El extraño mundo cotidiano de «Yokohama Kaidashi Kikou»

Escrito por: Salvador Jiménez Figueroa

El café Alfa es un pequeño negocio al final del camino de alguna colina de Yokohama. Ahí, Alfa bebe casi todo el café que prepara a diario. En una ciudad inundada hace años, quedan pocos clientes para una cafetería. Aun así, los días pasan tranquilamente mientras este androide espera el regreso de su dueño.

Yokohama Kaidashi Kikou (“Diario de viaje de compras de Yokohama”) es una serie de mangas que fue adaptada a cuatro OVAs, dos en 1998 y dos en 2003. El anime hace un gran trabajo en pintar escenarios pacíficos dentro de un mundo sutilmente inquietante, donde Alfa debe cargar siempre con un arma por protección (aunque aparentemente nunca la necesite durante el anime). Bossa-nova y música de orquesta acompañan los diversos sonidos de este mundo reconquistado por la naturaleza, amplio y verde. Aunque la presencia de androides y tecnología futurista puede llamar la atención de los fanáticos de la ciencia ficción, en realidad todos los paisajes de Yokohama Kaidashi Kikou están llenos de elementos de los años noventa.

El enfoque de esta obra es mostrar la vida diaria de Alfa en su pacífico rincón de Japón en las OVAs de 1998, y un pequeño viaje a pie alrededor de Yokohama en las más recientes. Aunque la animación sea más fluida durante las segundas, las de 1998 son las que permiten reflexionar mucho sobre la vida y el paso del tiempo en un contexto peculiar. Además, por alguna razón, la forma en que la voz de Alfa fue grabada en estas primeras OVAs permite disfrutar una narración mucho más cálida y amable que en la secuela de 2003.

De forma similar a Shoujo Shuumatsu Ryokou, (un anime post-apocalíptico) aunque en situaciones muchísimo menos serias, la vida en las colinas de Yokohama cuenta con una inexplicable sensación de ansiedad, angustia e incertidumbre detrás de su paz y cotidianeidad. Sin saber hace cuánto tiempo se fue el dueño de Alfa o cuando volverá al café, no se puede evitar pensar que tal vez nunca regrese. En un mundo donde las carreteras han sido destruidas y solo quedan caminos laberínticos en las montañas, donde los negocios ordinarios van perdiendo sus clientes y su sentido poco a poco, es difícil no especular cuándo ocurrirá el siguiente gran evento que cambie la vida de quienes viven alrededor de la ciudad inundada. Podría haber un cambio para bien, claro, pero Alfa comenta casualmente un escenario muy probable: gracias a su naturaleza longeva, verá poco a poco cómo van desapareciendo fragmentos de su hogar con el paso de los años. Ya en ese momento logra sentir una fuerte nostalgia por los tiempos en que su ciudad seguía en pie y estaba llena de vida. Esto lo podemos ver durante los créditos iniciales de cada capítulo, donde Alfa recorre la ciudad haciendo compras para su cafetería.

Sin embargo, también logra encontrar belleza en el día a día. Cuando visita el primer lugar al que la llevó su dueño y ve una ciudad nocturna bajo el agua, aún con muchas luces que en algún momento tuvieron algún propósito, Alfa absorbe la mágica vista con asombro. Es solo después de reflexionar sobre los días pasados y el significado que tenían todos los edificios de esta ciudad que comienza a llorar.

La primera parte de la serie trata únicamente de Alfa recibiendo un paquete de su dueño por correo, conociendo al androide que se lo llevó e intentando tomar fotografías alrededor de su hogar. Después de varios intentos y de ver muchos escenarios distintos, no encuentra algo que sienta apropiado para fotografiarse. Aunque suene como una historia insignificante, es a través de ella que logramos sentir la belleza del lugar por el que el androide siente tanto afecto, logrando también un sutil contraste entre su extraña impermanencia y la larga vida de un robot.

12 02 2021

Los conflictos internos en «Haibane Renmei»

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Los conflictos internos en «Haibane Renmei»

Escrito por: Salvador Jiménez Figueroa

Una obra no necesita una historia compleja ni explicación de todos sus elementos para ser valiosa e interesante. Después de todo, la vida real tampoco cumple con estos requisitos. Bajo esta premisa Haibane Renmei obtiene su valor del desarrollo de sus personajes y los temas de humanidad y espiritualidad que explora.

El soundtrack orquestral fantástico con todo tipo de instrumentos acompaña perfectamente al mundo mágico y a la vez algo familiar, misterioso pero atrayente, que pintan los elementos visuales de este anime. En él, Rakka nace con dudas que se van multiplicando a lo largo de su vida cotidiana como una Haibane (灰羽、“alas de ceniza”) en la ciudad de Glie. Ella convive alegremente con los demás Haibane que viven en Old Home en la primera mitad del anime, como si se tratara de un slice of life. Reki, quien cuida de Rakka desde el momento que llega a este mundo, también va mostrando poco a poco el pasado de Old Home. Al mismo tiempo, las preguntas sobre los Haibane, su propósito y el pasado ahora olvidado de Rakka crecen poco a poco hasta que se vuelven parte importante del desarrollo de la historia.

La explicación de cómo nació Glie y quiénes son los Haibane nunca llega más allá de un pequeño cuento fantástico que escriben en la biblioteca para un regalo de despedida, pero se siente perfectamente apropiada y de acuerdo con el espíritu de la serie, tal que este tema se siente resuelto.

El tono se vuelve mucho más oscuro después de que Kuu, otra habitante de Old Home, se va en su Día del Vuelo. Rakka es incapaz de aceptar su partida y se cuestiona aún más la naturaleza y propósito de su existencia. Deprimida y sin respuestas sigue unos cuervos al bosque donde se despidió de Kuu, donde cae a un pozo justo cuando comienza el invierno. En él Rakka encuentra el cadáver de un cuervo y recuerda las emociones de su vida pasada, junto con el sueño que tuvo antes de nacer en Glie. Antes de renacer, Rakka se sentía completamente sola e invisible. Se insinúa que se dejó morir a sí misma, pues tenía el deseo de desaparecer. Sin embargo el cuervo, una persona importante de su vida pasada, la acompañó y se preocupó por ella. En este nuevo mundo, el cuervo la perdona por abandonarse a sí misma, pero solo después de enfrentar sus sentimientos y recordar su sueño.

Así se muestra que en este nuevo mundo los Haibane deben superar sus propios traumas, aceptarse a sí mismos y forjar su espíritu antes de levantarse en vuelo. Después de que Rakka supera su prueba, Reki siente envidia y soledad. Ella ha vivido en Glie por años y presenciado el Día de Vuelo de muchos Haibane, pero nunca ha logrado librarse de sus ‘pecados’ y partir. Por esto se siente completamente abandonada, sola, traicionada por quienes cuidaron de ella y se fueron sin decirle nada. Reki tiene la misma pesadilla todos los días, sin recordar nunca exactamente qué pasa en ella. Cuando Rakka vuelve del bosque, Reki finge ser la misma con los demás mientras se va disociando cada vez más de todos, creyéndose un caso perdido y volviéndose infeliz y apática.

La teoría más aceptada del pasado de Reki es que en su vida pasada, ella se suicidó. Cuando recuerda su sueño, entra en un estado de autodesprecio donde reconoce que nunca logró ser feliz, y todo su tiempo en Glie lo pasó fingiendo preocuparse por los demás cuando en realidad era un intento egoísta de redención. Por esta misma razón cuidó de Rakka cuando nació. No obstante, cuando Rakka encuentra el diario de Reki se da cuenta que, en realidad, ella realmente ha logrado cambiar su naturaleza preocupándose por los demás y ayudándolos a superar sus propios problemas. Así, dispuesta a perdonarla y ayudarla, entra al sueño de Reki con ella. Pero igual que Rakka, Reki solo logra ser salvada después de ser capaz de verse a sí misma, y después de hacer un verdadero esfuerzo por pedir ayuda a los demás, a pesar de su miedo a ser traicionada y abandonada otra vez. Gracias a su honestidad, a su valor para pedir ayuda y a la ayuda de Rakka, Reki finalmente supera sus traumas. Al final del anime, su Día del Vuelo llega y es capaz de encontrarse con los demás Haibane que se habían ido antes que ella.

El mensaje de Haibane Renmei es claro, a pesar de ser revelado muy sutil y lentamente. Solo nosotros somos capaces de encontrar nuestros propios problemas, y debemos trabajar para solucionarlos. No podemos conseguir ayuda si no sabemos qué nos está ocurriendo, y si no hacemos el esfuerzo de salir a pedir ayuda a otras personas. Siempre debemos tener esperanza en que nuestros esfuerzos pueden hacer un verdadero cambio en nosotros, a pesar de lo difícil que sea ir contra nuestra vieja naturaleza, nuestros viejos hábitos. Solo resolviendo nuestros conflictos internos podemos encontrar la verdadera paz.

Pero además de todo esto, Haibane Renmei propone algo muy controversial e interesante de discutir: Nosotros no somos capaces de perdonarnos a nosotros mismos, necesitamos recibir el perdón de alguien más. Exactamente qué significa esto, cuáles son sus implicaciones y por qué propone esto la obra de Yoshitoshi ABe son dilemas complejos, filosóficos y algo profundos que deben suceder en otro momento, y tal vez en otro lugar.

27 01 2021

«Beelzebub-jou no Okinimesu mama» rompiendo estereotipos

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«Beelzebub-jou no Okinimesu mama» rompiendo estereotipos

Escrito por: Salvador Jiménez Figueroa

En el manga y anime es común encontrarse con historias que van completamente en contra de relatos populares. Los autores transforman la personalidad y el mundo de personajes que viven en la consciencia colectiva de la humanidad, creando nuevos ingredientes para una nueva historia. Éste es un método efectivo de atrapar a la audiencia incluso antes de que lea/vea el primer capítulo. Con solo las imágenes promocionales o la sinopsis de una serie se puede causar un interés inmediato, pues sus elementos base tienen mucho valor de impacto.

Lo interesante de una serie es qué hace con la atención que gana con este tipo de premisas, qué historia construye con ingredientes que parecen completamente innecesarios o aleatorios. Beelzebub-jou no Okinimesu mama (Como guste la señorita Belcebú) es una comedia con romance que pinta un retrato del infierno como si éste fuera gobernado como un reino militar pacífico y armonioso. Cubierto en una paleta de colores pastel, el Pandemónium es donde los generales mayores se encargan de administrar este lugar de acuerdo a la voluntad de Dios, haciendo pruebas a los humanos para cuando llegue el Día del Juicio.

Este anime usa la re-imaginación de un lugar tan tradicionalmente oscuro como el infierno para fines cómicos, y de paso permite pensar en este lugar sin causar angustia y pavor. Gracias a eso, al mismo tiempo y tal vez por accidente, Beelzebub-jou muestra dinámicas positivas de amistad y romance e invita a permitirnos romper estereotipos, así como evitar hacer prejuicios.

La mayor figura de autoridad es la señorita Belcebú, un demonio con figura femenina obsesionado con las cosas suaves y esponjosas. A pesar de su fuerte e íntegra imagen pública, pasa sus días comiendo dulces y soñando con animales suavecitos. Su nuevo asistente Mullin pasa el tiempo ayudando a que cumpla con todas sus tareas. La naturaleza amable y comprensiva de Mullin hace que Belcebú se interese en él al principio de la serie. Ambos personajes son más complicados que estas breves descripciones, y su dinámica evoluciona a lo largo del anime de una forma que se siente natural e interesante de ver.

Pero la ruptura de estereotipos más interesante es la presentación de Azazel. En el segundo capítulo del anime Mullin se topa con este demonio musculoso y misterioso, que habla solo con letreros. Azazel salva a Mullin de una caída y éste lo sigue por curiosidad. Pronto se da cuenta que Azazel disfruta mucho la repostería y la creación de peluches. Su habitación es rosa y la adornan cuadros de flores, y revela que no habla con letreros por algún voto de silencio ni para verse más interesante, sino que tiene problemas de comunicación. Azazel es reservado porque no quiere decepcionar a la gente por su apariencia. Mullin, por el contrario, después de conocer bien a Azazel encuentra formas de convivir con él a través de sus intereses. Incluso termina ordenando la misma comida que él, hot cakes especiales con forma de oso.

El programa nos muestra en este tipo de escenas cómo podemos convivir con los demás en armonía si dejamos de guiarnos por nuestros prejuicios, mientras todos continuemos haciendo nuestro trabajo y tratando a los demás con respeto. De cierta forma, esta transformación de la imagen del Pandemónium nos invita también a sentir la libertad de relacionar cosas usualmente consideradas “femeninas” con cualquier tipo de lugar, situación y persona. La apreciación de la belleza, la búsqueda de armonía y la validación de las emociones pueden ayudar a cualquier ser humano a vivir más plenamente si se lo permite a sí mismo.

13 01 2021

El Iyashikei y la atmósfera de Non Non Biyori

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El Iyashikei y la atmósfera de Non Non Biyori

Escrito por: Salvador Jiménez Figueroa

En este tiempo de crisis, para muchos lugares en el mundo el anime slice of life (nichijoukei) y específicamente el subgénero iyashikei pueden ser apreciados por más gente que antes. Es por esto mismo que Animal Crossing se ha vuelto tan popular, ya que permite ver un tipo de vida que sus jugadores no pueden experimentar de la misma manera en el mundo real.

El iyashikei como género de literatura y arte en general nació en una situación igual de preocupante para la sociedad japonesa. A inicios de los noventas Japón sufrió un colapso económico que significó incertidumbre para todos los trabajadores. De aquí nació la necesidad de sentir descanso, calma e intimidad a través de lo que se consumía. De este mismo movimiento nacieron franquicias como Tamagotchi y Pokémon. Para el anime, esto significó un público que buscaba relajarse mientras disfrutaba la vida más sencilla de personajes ficticios, en lugares y situaciones pacíficos. En este tipo de obras, la atmósfera y el tono general son lo más importante, a diferencia de la complejidad o progresión de una historia. Mientras que en un slice of life la historia del anime puede seguir siendo de gran importancia para la serie el iyashikei comúnmente no muestra mucha evolución en su trama, o lo hace a lo largo de muchos capítulos y lapsos grandes de tiempo.

El anime más representativo del iyashikei es probablemente Aria the Animation. Esta serie de 2005 con tonos alegres en un Marte veneciano permite sentir una gran calma mientras la pantalla se llena de paisajes fantásticos y personajes divertidos y encantadores.

No es sorpresa entonces que su guionista, Reiko Yoshida, haya logrado escribir y componer una obra tan inmersiva como Non Non Biyori. Aun en un escenario tan ordinario como lo sería el Japón rural es fácil perderse en las aventuras ordinarias de las 4 chicas estudiantes de primaria que protagonizan este anime.

Lo más especial es su atmósfera y personajes. La música minimalista, los paisajes sencillos pero hermosos y el ritmo de todas las escenas te permiten apreciar un mundo despreocupado y armonioso en el que la gente sigue aún en contacto directo con la naturaleza diariamente. Esto último es algo que quien ha vivido en ciudades grandes puede atesorar en una obra de arte, sobre todo cuando su presentación te permite sentir que realmente estás presenciando un lugar vivo, como si fueras parte de ese mundo.

En Non Non Biyori no es extraño que los personajes hagan una larga pausa entre líneas de un chiste, o simplemente no hablen durante una escena. El espacio entre cada “acto” de un capítulo suelen ser barridos lentos de un paisaje simple con poco o nada de sonido encima. La maestra de la escuela Asahigaoka2 emite un aura de despreocupación todo el tiempo. Es todo esto lo que crea la atmósfera iyashi3 del anime. Los momentos resultantes son tan tranquilos y satisfactorios que mientras veía la serie sentía que podía seguir disfrutándolos aunque las pausas y tomas de paisajes fueran más largas. Llegué sentir lo mismo que cuando voy a los lugares más bonitos del pueblo en el que vivo actualmente. Eso lo aprecié bastante cuando comencé a ver el anime, pues vivía en una ciudad industrial con pocos parques para sentarse a reflexionar sin escuchar sin escuchar autobuses alrededor o gente con música a todo volumen constantemente. Estoy seguro que es esto mismo lo que atrae a gran parte de la audiencia de este tipo de programas.

Aunque todas tienen una personalidad simpática, Renge (o Ren-chon) se convirtió rápidamente en el personaje más emblemático de esta serie. Es famosa por su facilidad a emocionarse por cualquier aventura, sus expresiones serias pero adorables y las frases que inventa de un día a otro, como “¡Nyanpasu—!”, la forma en que saluda a los demás. El resto del elenco principal son la energética Natsumi; su hermana mayor, la miedosa Komari; y Hotaru, quien se muda al pueblo cuando inicia la serie. Es a través de ella que vamos descubriendo poco a poco los diferentes lugares y costumbres de este lugar, y es ella quien comienza a admirar a Komari cuando ve que tiene el valor de ser sincera con sus emociones sin importar la situación (aunque no siempre sea a propósito). La falta de más estudiantes en la zona es la excusa perfecta para que, a pesar de que están en años escolares diferentes, podamos verlas a todas conviviendo en el mismo salón de clases. La dinámica entre todos estos personajes es muy natural en todo momento, y por ende todos los escenarios y bromas del anime se vuelven muy divertidos.

El que la fortaleza del anime esté en estos dos elementos, atmósfera y personajes, permite que en la segunda temporada se visiten de nuevo los mismos eventos que ocurren en la primera temporada pero con otro punto de vista y la serie siga siendo igual de buena o aún mejor. Los creadores seguramente están 100% conscientes de que estos son los puntos fuertes de esta obra y por eso pudieron hacer una segunda temporada tan excelente.

Non Non Biyori ha sido tan bien recibido que ya tiene también una película y en 2021 tendrá una tercera temporada.

Si estás buscando animes similares a éste yo recomiendo mucho Flying Witch, Yuru Camp △ y Yama no Susume. Los tres mantienen un enfoque centrado en la naturaleza; los dos primeros tienen un ritmo muy similar a Non Non Biyori, mientras que los capítulos de Yama no Susume duran solamente 3 minutos y medio, lo que compensa su ritmo más acelerado.

1. Reiko Yoshida también fue la encargada de la composición de la serie (シリーズ構成).
Este papel en la producción de un anime participa en el bosquejo general de la
serie con el que se deciden sus conceptos principales, los eventos más importantes
y su ritmo (pacing).

2. Oka (丘) significa colina y asahi (旭) significa sol de la mañana.

3. Curativa, terapéutica. Es todo esto lo que crea la atmósfera iyashi del anime. Los momentos resultantes son tan tranquilos y satisfactorios que mientras veía la serie sentía que podía seguir disfrutándolos aunque las pausas y tomas de paisajes fueran más largas.